🔫 De Ses Feuilles Est Né Le Panama

© CC Hide translationShow translation Slow version Hide slow versionVersion RalentieJean-Marie Gustave Le Clézio est né dans une famille dont les origines sont à la fois de Bretagne en France, de Grande Bretagne et de l’île Maurice. Né en 1940, il publie son premier roman Le Procès-verbal’ à vingt-trois ans et reçoit le prix Renaudot. En 1980, il publie Désert’, l’épopée d’une jeune descendante de touaregs, considérée comme son chef d’ oeuvre. Le Clézio a également écrit des essais sur plusieurs civilisations nomades dont il a partagé l’existence Indiens de Panama, Berbères du Maroc. Auteur d’une trentaine d’ouvrages, il est considéré comme un écrivain majeur, étudié dans les manuels scolaires. Ses livres expriment les beautés de la communication entre les Gustave Le Clézio was born into a family originating from Brittany, France, Great Britain, and Mauritius Island. Born in 1940, he published his first novel The Deposition at the age of 23 for which he received the Renaudot award. In 1980, he published Desert, the saga of a young woman who was a descendant of the Tuareg. It’s considered his best work. Le Clézio has also written essays about several nomadic civilizations with which he shared experiences Panamanian Indians, Moroccan Berbers. Author of about thirty works, he is considered to be a major author who is studied in school textbooks. His books express the beauty of communication between décrit une méthode d’écriture idéale pour luiHe describes his ideal writing method-Voici ce qu’il faut faire il faut partir pour la campagne, comme un peintre du dimanche1, avec une grande feuille de papier et un stylo. Choisir un endroit désert, dans une vallée encastrée entre les montagnes, s’asseoir sur un rocher et regarder longtemps autour de soi. Et puis, quand on a bien regardé, il faut prendre la feuille de papier, et dessiner avec les mots ce qu’on a what you have to do You have to leave for the countryside, as an amateur painter would do, with a big piece of paper and a pen. Choose a desert setting, in a valley embedded between the mountains. Sit on a rock and take a good, long look around. Then, once you have really looked around, take your piece of paper and draw with words what you have un bonheur de parcourir le monde sur les traces de Le Clézio. Il nous entraîne au coeur des paysages, dans la sensualité des couleurs, des senteurs. À travers son propre regard, nous sommes touchés par une sorte de grâce appelée la communication’ Je n’ai jamais cherché que cela2 en écrivant communiquer avec les autres » a pleasure to travel the world in the footsteps of Le Clézio. He leads us into the heart of the countryside, into the sensuality of colours and scents. Through his eyes, we are touched by a sort of elegance called “communication”. “I never looked for anything but that in writing to communicate with others,” he the full transcript of this report – join French Classes 7-day free trial Member loginLire Le ClézioEcoutez

Ecrit par Philippe Chauché dans La Une Livres, Les Livres, Critiques, Récits, Les éditions du Rocher Le Tour de France, juin 2019, ill. Sonia Lopez, 384 pages, 21,90 € Ecrivains Christian Laborde Edition Les éditions du Rocher Christian Laborde, l’écrivain gascon, est un passionné de vélo. On lui doit notamment un Dictionnaire Amoureux du Tour de France Plon, et plus récemment Robic 47 Ed. du Rocher. Il a reçu en 2015 la médaille du Tour de France pour l’ensemble de ses livres consacrés aux Géants de la route, des mains de Bernard Hinault, le quintuple vainqueur de la Grande Boucle. Il s’agit d’un Tour de France aux mille entrées, où l’on croise Louis Aragon – le goût violent de vaincre la nature et son propre corps, l’exaltation de tous pour les meilleurs. René Fallet – Prince du comptoir, des syllabes et du braquet… Laurent Fignon – Il rayonne dans l’exploit, l’attaque, l’assaut, n’assiégeant que les plus hautes citadelles… Mais aussi Antoine Blondin – Le général de Gaulle est le président des Français onze mois sur douze. En juillet, c’est Goddet. Ou encore Lance Armstrong – L’on reproche souvent à Lance Armstrong d’être hautain. Il l’est. Hautain doué pour les hauteurs. Et enfin – mais une fin toute provisoire – Nico Mattan – Le 13 juillet 2000, le Belge Nico Mattan fait son miel du col de Notre-Dame des Abeilles avant de laisser Marco Pantani-Korsakov interpréter Le vol du bourdon dans le Tour de France est une escapade, une escapada, une échappée, d’où se détachent quelques figures héroïques de cette aventure unique Géminiani, Fignon – Il a tellement de classe, tellement la troisième jambe » qu’il remporte le Tour de France lors de sa première participation. Armstrong – Je ne roule pas pour le plaisir, je roule pour la douleur. Froome – Le 20 juillet 2017, dans la montée du col de l’Izoard au sommet duquel se juge l’arrivée de la 18e étape, Christopher Froome répond aux accélérations et aux attaques de ses rivaux par une pédalée frénétique, un ainsi-Froome-Froome-les petites-manivelles qui les écœure tous. C’est en somme des hommes et des Dieux, c’est piquant, réjouissant, souvent drôle, touchant, savant et savoureux. Philippe Chauché Vu 1858

L’agence IP d’Asunción et le Secrétariat national de la culture du Paraguay ont communiqué avec regret le décès le 12 avril de l’artiste et sculpteur indigène Nivaclé, Marcos Ortiz. Il avait 70 ans. Ses dessins ont été exposés en France par la Fondation Cartier et en Europe. Photo Fondation Cartier Marcos Ortiz est né en 1952 en el Chaco, au Paraguay. Ses parents, originaires du fleuve Pilcomayo, rendaient visite à leurs parents Maká dans le Chaco, lorsque Marcos est né. Il était le deuxième de sept enfants. Marcos passa son enfance parmi les Maká, à l’école missionnaire élémentaire Yalve Sanga. Lorsqu’il finit l’école primaire Marcos s’est mis à travailler la terre comme journalier. À son mariage il déménage a Yíclócat, où il connut un sculpteur de l’ethnie Wichi qui lui apprend l’art de travailler le bois. Il aimait sculpter de petits animaux et, parmi ses préférés se trouvaient les petits cochons sauvages qu’il observait dans son environnement le plus proche. Il obtint un prix pour ses sculptures lors d’un concours de Noël de la Forêt de Hermann Guggiari. Ce prix l’encouragea à continuer, mais plus tard son parent Estebán lui demanda de dessiner ces animaux des cochons, taguas et petits renards sauvages. Toujours jovial et joyeux, Il est devenu un artiste reconnu pour son talent. Marcos Ortiz, membre des Artistes et peuples originaires du Chaco », a participé à faire connaître la très fine sensibilité du peuple Nivaclé qui a produit de nombreux artistes. Sa disparition a provoqué une profonde consternation et douleur dans sa communauté et parmi tous ceux qui ont connu son art et sa générosité. Il laisse des œuvres où l’on peut apprécier des admirables paysages du Chaco. Ces œuvres ont été dessinées avec maestria », déclare le communiqué officiel du portefeuille de la Culture. L’art de Marcos Ortiz a été exhibé dans divers musées au niveau national et international, au Paraguay, en Amérique latine. L’exposition Bosques vivos » Forêts vivantes au Chili, au Centre culturel de la Moneda, dans le cadre de la Biennale Sud, en est un exemple. Nous l’avions découvert lors de l’exposition Géométrie Sud » à la Fondation Cartier, en décembre 2018. Récemment il avait également participé avec d’autres artistes indigènes du Paraguay lors d’une grande muestra au Musée Britannique, de Londres. Marcos Ortiz rêvait d’une maison plus grande pour pouvoir travailler à l’intérieur car il devait le faire à l’ombre d’un arbre pour se protéger de la chaleur du Chaco. Sa maison était petite et une partie de celle-ci était composée de toiles de tentes et de bric-à-brac. Sa table de travail était un tabouret en fer sur lequel il plaçait une planche en bois. Assis sur sa chaise, il observait longuement la nature et puis il dessinait. Lui-même racontait comment il s’organisait Premièrement, j’étudiais et pensais sur quoi je souhaitais travailler. Je voyais passer beaucoup de choses dans ma tête, je voyais un petit cochon et d’autres animaux. Le plus difficile à dessiner c’étaient les collines el monte pour les feuilles des arbres et l’herbe qui couvrait la montagne. Je traçais d’abord les lignes avec un crayon et ensuite je les peignais au stylo bille. Je mettais deux jours pour finir un dessin . Il s’inspirait de la nature et de son environnement, les arbres de son patio, lorsque la lumière passait au travers des branches et des feuilles. Parfois, il allait à la montagne pour observer la forme des arbres et arbustes. Il dessinait pour gagner de quoi vivre mais ce qu’il gagnait ne lui permettait que de couvrir les éléments les plus basiques, acheter de la viande devenait difficile pour lui. Il disait souhaiter gagner un peu plus pour améliorer ses conditions de vie. Ça faisait seulement 13 jours que l’œuvre de Marcos Ortiz faisait partie d’Indigenous Collective Artes Vivas organisé par le Musée Britannique. Olga BARRY Link sur le Musée Britanic

Accueil HIGH-LIFE, MAGAZINE POUR RÊVER Août 2021 Histoire / Patrimoine Ouvert en 1870, la Samaritaine incarne depuis 150 ans, l’art de vivre à la française. Né du génie d’Ernest Cognacq et de son épouse Marie-Louise Jaÿ, le grand magasin parisien brille autant par son architecture que par ses rayons qui réunissent les meilleurs artisans et produis de leur époque. Réouvert le 19 juin 2021, le magasin accueille, à partir du 9 juillet, le pop-up Orient Express et sa collection d’objets de voyage Steam Dream ». Un événement mis en scène par le designer Hugo Toro. En attendant l’inauguration, High-Life invite à remonter le temps, et raconte l’histoire de la Samaritaine en photos. splendeurs de l’Art Nouveau L’histoire de la Samaritaine est celle d’Ernest Cognacq, marchand de cravates réputé du quartier du Pont-Neuf, et de son épouse, Marie-Louise Jaÿ, première vendeuse au Bon Marché. De leur petit commerce situé rue de la Monnaie, le couple prospère jusqu’à, donner naissance, au début du XXème siècle aux Grands Magasins de la Samaritaine. Emblématique, le Magasin Jourdain » ou magasin n°2 », qui occupe la rue de la Monnaie, est l’œuvre de l’architecte Frantz Jourdain qui dévoile une façade métallique recouverte de mosaïques dorées, de motifs floraux, et de laves émaillées fleuries sur fonds orangés, caractéristiques de l’Art Nouveau. Photo ci-dessus Samaritaine, Magasin 2 de Frantz Jourdain achevé, vue côté rue de la Monnaie, Paris, vers 1910. 2. Une cathédrale du commerce Décliné sur 4 étages à l’origine, le magasin principal de la Samaritaine est doté d’une immense verrière rectangulaire de 1000m2, qui lui vaudra le nom de Verrière Jourdain ». Une structure d’acier et de verre colossale, qui subsistera à travers le temps, avant d’être restaurée selon sa trame d’origine à l’occasion de sa réouverture en 2021. Il aura fallu 5 années de travaux pour terminer ce monument, qui filtrera la lumière naturelle dans les différents corners du magasin. Photo ci-dessus Samaritaine, vue intérieure sous verrière, Paris, vers 1910. 3. Question de style Aux premières années de son ouverture, la Samaritaine fait valoir les décors imaginés par Francis Jourdain, le fils de Frantz, l’architecte à l’origine du projet. Une façade à l’allure flamboyante, à l’instar de cette large baie en surplomb surmontée d’une marquise aérienne, aux ornementations dorées et à l’enseigne peinte par l’artiste Eugène Grasset, et dont on peut voir les initiales dorées à l’or fin, », sur les piliers de part et d’autre de l’entrée, en hommage au fondateur Ernest Cognacq. En façade, un store aux rayures rouges et blanches, donne une touche chic à la maison, et à chaque étage des plaques colorées en lave polie et émaillée représentent des décors de roses, fleurs de passiflore et rinceaux végétaux, typiques de l’Art Nouveau. Photo ci-dessus Samaritaine, entrée principale rue de la Monnaie, Autochrome de Léon Gimpel, 1910. 4. Le clou du spectacle Fait pour voir et être vu, pour déambuler et contempler, le grand escalier Art Nouveau et ses garde-corps décorés de 600 feuilles de marronniers, constitue l’un des emblèmes du grand magasin depuis son ouverture. Une pièce d’architecture imaginée par l’architecte Frantz Jourdain, pour desservir les 4 étages un 5ème étage sera créé au début des années 30, et qui fait resplendir depuis 150 ans, décors en laiton et céramiques en fleurs. Désormais entièrement restauré, l’escalier Art Nouveau de la Samaritaine compte, comme à ses origines, 270 marches, toutes fabriquées en bois de chêne. Un monument à lui seul. Photo ci-dessus Samaritaine, animation dans le grand hall, le concert des automates, vers 1910. 5. Henri Sauvage ou l’Art déco L’architecture de la Samaritaine connaît un nouvel épisode avec l’arrivée aux commandes en 1925, de l’architecte et décorateur, Henri Sauvage – à qui l’on doit notamment la Villa Majorelle à Nancy -, appelé pour assurer l’extension du magasin principal. Enclin à moins d’exubérance, il réalise une façade en étages et gradins – un principe qu’il adaptait déjà aux immeubles de logement -, tournée directement sur la Seine, fait disparaître fresques et mosaïques, couvre l’ensemble de larges baies vitrées, d’une pierre claire et d’une peinture bronze qui habille les menuiseries, les balcons et les marquises. Un emblème de l’Art déco est né. Photo ci-dessus Samaritaine, vue du Pont Neuf, vers 1930. 6. On trouve de tout à la Samaritaine » Avec ses 48000m2 de surface, la Samaritaine était considérée dès 1910 comme le plus vaste des grands magasins parisiens, devançant de peu le Printemps et les Galeries Lafayette. Organisé en rayons, gérés par de vrais petits patrons, tous experts dans leur domaine, proposant pour tous les produits des prix uniques et affichés, disposant de cabines pour essayer les vêtements, offrant même des crédits à la consommation, la Samaritaine applique des principes qui vont bouleverser la distribution traditionnelle. Rendez-vous incontournable de la clientèle, la saison du blanc » ou mois du blanc » fait affluer les dames par milliers, à la recherche de linge de maison. Un événement commercial dont l’origine remonterait à la fin du XIXème, et que l’on doit à Aristide Boucicault, le propriétaire du Bon Marché. Photo ci-dessus Samaritaine, rayon du trousseau, vers 1910. 7. La Samaritaine, 2021 16 ans après sa fermeture, la Samaritaine rouvrait ses portes le 23 juin 2021. Un grand magasin entièrement restauré, occupant m2 de surface, sublimé par le cabinet Sanaa, les designers Hubert de Malherbe et Yabu Pushelberg et le studio d’architecture Cigüe. Réunissant pas moins de 600 marques de luxe – en mode, gastronomie, et art de vivre – la Samaritaine nouvelle génération fait à nouveau resplendir ses joyaux son grand escalier Art Nouveau desservant les 5 étages, sa verrière rectangulaire extraordinaire, ses mosaïques, ses émaux, ses garde-corps en fer forgé… Le 7 juillet, Orient Express rejoint l’histoire de la Samaritaine et ouvre un pop-up inédit, pour présenter sa première collection d’objets de voyage intitulée Steam Dream. Photo ci-dessus Samaritaine, juin 2021. Les crédits des images 1 à 6 sont ©Grands magasins de la Samaritaine Maison Ernest Cognacq Le crédit 7. est Wearecontents DFS Samaritaine

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